11 techniques de cut en montage vidéo utilisées au cinéma
Si vous faites du montage vidéo depuis un moment, vous savez probablement que couper une vidéo ne se résume pas à appuyer sur la touche C dans Premiere Pro. La manière dont vous coupez, où vous coupez, et surtout comment vous raccordez vos plans… c'est là que se joue toute la différence entre un montage amateur et un montage professionnel.
J'ai consacré une vidéo entière à ce sujet sur ma chaîne YouTube Tuto Premiere, parce que c'est un fondamental que j'aborde dans ma formation montage vidéo et que je vois encore beaucoup de monteurs négliger. Dans cet article, je vous partage les 11 techniques de cut que tout monteur vidéo doit absolument connaître — qu'il travaille sur des films, des vidéos YouTube, des clips ou des publicités.
Dans la vidéo ci-dessus, je détaille visuellement ces 11 techniques de cut utilisées en montage vidéo professionnel.
1. Le cut classique
C'est la base de tout montage vidéo. Le cut classique consiste simplement à couper un plan à un instant précis et à le raccorder avec le plan suivant, sans transition, sans effet.
Simple en apparence, mais redoutablement efficace quand il est bien exécuté. Le point de vigilance principal : la continuité. Si votre sujet est en mouvement, assurez-vous que la direction de déplacement est cohérente d'un plan à l'autre. Un cut classique raté brise l'immersion immédiatement.
💡 Conseil de monteur : le cut classique est souvent le meilleur choix. Ne cherchez pas à complexifier inutilement si la coupe simple fonctionne déjà bien.
2. Le jump cut
Le jump cut consiste à couper différents moments d'un même plan pour supprimer les passages inutiles ou les hésitations. Sur votre timeline dans Premiere Pro, vous coupez les segments superflus et vous utilisez la fonctionnalité "Supprimer les espaces vides" pour que tout se raccorde automatiquement.
C'est la technique reine du montage YouTube. Je l'utilise moi-même dans mes tutoriels pour garder un rythme dynamique. Au cinéma et en publicité, elle est à utiliser avec parcimonie : elle crée volontairement une rupture visuelle qui peut être perturbante si elle est suremployée.
💡 Astuce Premiere Pro : utilisez le raccourci Cmd+Maj+Backspace (Mac) ou Ctrl+Maj+Backspace (PC) pour supprimer les espaces vides après une coupe.
Vous voulez aller plus loin sur la gestion du rythme et de la fluidité dans Premiere Pro ? Consultez mon guide complet sur le montage vidéo de qualité.
3. Le cut dans l'axe
Le cut dans l'axe consiste à couper un même plan, puis à zoomer ou dézoomer sur la partie suivante — sans changer d'angle. Résultat : une nouvelle valeur de plan créée au montage, sans avoir besoin de plusieurs caméras.
C'est une technique que j'utilise beaucoup dans le montage de clips musicaux pour coller au rythme. Elle permet aussi d'éviter l'effet répétitif que peuvent créer des jump cuts trop nombreux, en apportant un changement visuel sans pour autant changer de scène.
4. Le J-cut
Le J-cut tire son nom de la forme en J que prend la piste audio sur la timeline.
Le J-cut est une technique de transition audio-vidéo : l'audio de la scène suivante commence pendant que l'image de la scène actuelle est encore à l'écran. L'œil suit encore le plan A, mais l'oreille est déjà dans le plan B.
Sur votre timeline, vous étirez la piste audio du plan B vers la gauche, au-dessus de la fin du plan A. La forme en J que ça crée sur votre timeline donne son nom à la technique. C'est une des transitions les plus utilisées au cinéma pour lisser les passages entre deux séquences.
💡 Utilisez le J-cut pour préparer le spectateur émotionnellement à ce qui arrive, avant même de lui montrer l'image.
5. Le L-cut
L'inverse exact du J-cut : ici, c'est l'audio du plan A qui continue de se faire entendre alors que l'image est déjà passée au plan B. La forme en L sur la timeline donne là aussi son nom à la technique.
Le L-cut est parfait pour maintenir la continuité narrative : vous faites parler un personnage, et pendant qu'il parle, vous montrez déjà la réaction de son interlocuteur ou l'objet dont il est question. Une technique indispensable pour professionnaliser vos dialogues.
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6. Le champ / contrechamp
Le champ/contrechamp est la technique de base pour filmer et monter des dialogues. Vous alternez entre deux angles opposés, montrant tour à tour chacun des interlocuteurs.
Pour l'utiliser correctement, vous devez absolument respecter la règle des 180 degrés : imaginez une ligne imaginaire entre les deux personnages. Vos caméras doivent toujours rester du même côté de cette ligne pour éviter un effet désorientant pour le spectateur.
Au-delà des dialogues, cette technique s'applique dès qu'il y a une interaction entre un sujet et un objet. Un personnage qui regarde quelque chose ? Cut sur l'objet regardé. C'est aussi simple et aussi puissant que ça.
7. Le cut dans l'action
Couper en plein milieu d'une action, puis raccorder sur la même action filmée depuis un autre angle. Si votre personnage lève le bras, vous coupez à mi-geste et vous raccordez avec une autre caméra qui filme le même geste.
Cette technique est la signature des grandes scènes d'action hollywoodiennes. Elle donne de l'énergie, de la dynamique, et permet de multiplier les angles sans que ça paraisse artificiel. L'astuce : couper au moment de tension maximale de l'action, juste avant le point culminant.
8. Le montage alterné
Le montage alterné montre au spectateur plusieurs actions qui se déroulent en même temps, à des endroits différents. Vous alternez entre les séquences sur la timeline pour créer une tension narrative et raconter plusieurs histoires simultanément.
L'exemple le plus célèbre ? Ocean's Eleven, avec ses scènes de braquage montées en parallèle des différentes équipes. Le montage alterné crée naturellement de la tension et du suspense, parce que le spectateur en sait plus que chaque personnage pris individuellement.
9. Les plans de coupe (B-roll)
Les plans de coupe — rebaptisés "B-roll" dans le jargon des YouTubeurs — sont des plans d'illustration que vous posez par-dessus votre piste principale. Concrètement, sur la timeline, la piste vidéo principale reste en dessous, et vous venez poser vos plans de coupe sur une piste supérieure.
C'est une technique que j'utilise dans absolument tous mes tutoriels vidéo. Elle permet d'illustrer visuellement ce qu'on explique en voix off ou en interview, de casser la monotonie d'un plan fixe, et de masquer les jump cuts de manière élégante.
💡 Conseil de tournage : filmez toujours un maximum de plans de coupe sur vos tournages. Vous ne pourrez jamais en avoir trop. C'est cette matière qui vous donnera de la liberté au montage.
Vous cherchez des conseils sur comment avoir un montage fluide ? Découvrez le guide complet pour faire du montage vidéo de qualité.
10. Le montage séquence (ou "Montage" à l'américaine)
Attention à la confusion : en anglais, le mot "montage" désigne une technique précise — différente de ce que les francophones appellent le montage vidéo.
Le montage séquence ("montage" en anglais) consiste à raconter une histoire complète au sein d'une même séquence, avec une temporalité qui évolue. Vous utilisez différentes valeurs de plans, différents décors, dans le but de transmettre une seule information principale — en condensant le temps.
L'exemple classique : le héros qui s'entraîne avant un combat (Rocky, Karate Kid…). À la différence du jump cut, ici vous ne coupez pas le même plan — vous alternez entre des plans très différents pour montrer une évolution sur la durée.
11. Le match cut
Le match cut est probablement la technique la plus spectaculaire visuellement. Elle consiste à passer d'une scène à une autre en raccordant sur un élément commun aux deux plans : une forme similaire, un mouvement identique, ou un son qui se prolonge.
Il existe trois formes de match cut : le match cut graphique (deux formes similaires dans des scènes différentes), le match cut de mouvement (la même action dans deux contextes), et le match cut audio (un son qui traverse la transition). Le plus célèbre ? L'os qui se transforme en vaisseau spatial dans 2001 : L'Odyssée de l'espace.
Cette technique demande de l'anticipation dès le tournage — vous devez penser au raccord au moment où vous filmez. C'est une des choses que j'aborde dans ma formation, parce que réussir un match cut, ça se prépare bien avant la salle de montage.
En résumé : utiliser les bons cuts au bon moment
Ces 11 techniques couvrent l'essentiel de ce que vous rencontrerez dans les productions pro, que ce soit au cinéma, en publicité ou sur YouTube. L'erreur courante des monteurs débutants, c'est de rester sur le cut classique par défaut ou au contraire d'abuser du jump cut parce que c'est rapide.
La clé, c'est de choisir votre technique de cut en fonction de l'intention narrative que vous voulez transmettre : dynamisme, fluidité, tension, émotion… Chaque cut est un choix éditorial, pas juste une coupure technique.
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À propos de l’auteur
Kévin Mendiboure est réalisateur et monteur vidéo professionnel, fondateur de l’École des Vidéastes et de la chaîne YouTube TUTO PREMIERE (+115 000 abonnés).
Réalisateur depuis plus de 10 ans et formateur depuis 2019, il accompagne créateurs, freelances et monteurs en reconversion à travers des formations certifiantes en montage vidéo sur Premiere Pro, After Effects et DaVinci Resolve.