Comment devenir vidéaste professionnel en 2026 : guide complet
J'avais 14 ans. Une Sony HI8, pas de logiciel de montage, et une obsession pour les effets de Terminator 2. Ce qui a suivi, c'est vingt ans d'un parcours que j'aurais aimé avoir en guide au moment de démarrer.
Je vais vous parler de devenir vidéaste professionnel avec l'angle que la plupart des articles n'ont pas : celui de quelqu'un qui l'est vraiment devenu, qui a traversé toutes les étapes — les galères, les coups de chance, les erreurs, et les vraies décisions qui changent une trajectoire.
Ce guide s'adresse à tous les profils : que vous vouliez créer du contenu YouTube, tourner des clips musicaux, faire de la vidéo corporate, des mariages, du documentaire, ou aspirer au cinéma. Il n'y a pas un seul chemin pour devenir vidéaste professionnel — mais il y a des fondamentaux communs à tous, et c'est ce que ce guide va vous transmettre.
C'est quoi un vidéaste professionnel en 2026 ?
Un vidéaste professionnel, c'est quelqu'un qui maîtrise toute la chaîne de la vidéo : la préparation du tournage, la prise de vue, le son, le montage, l'étalonnage, et la livraison du fichier final. C'est ce qui le distingue du simple monteur vidéo — qui intervient uniquement en post-production — ou du caméraman — qui ne fait que filmer.
En 2026, le terme "vidéaste" recouvre des réalités très différentes selon le marché sur lequel vous exercez :
| Profil vidéaste | Ce qu'il fait concrètement |
|---|---|
| Vidéaste YouTube / créateur de contenu | Tourne, monte et publie ses propres vidéos — souvent en solo, de A à Z |
| Vidéaste corporate / communication | Films d'entreprise, interviews, teasers produits, formations en ligne |
| Vidéaste mariage / événementiel | Captation de mariages, baptêmes, concerts, sports |
| Vidéaste clip musical | Réalisation et montage de clips — du rap indépendant aux majors |
| Vidéaste documentaire / reportage | Tournage terrain, narration longue, sujets d'actualité ou sociaux |
| Vidéaste fiction / cinéma | Courts et longs-métrages, réalisation, direction d'acteurs |
Ce guide couvre tous ces profils, parce que les fondamentaux sont les mêmes : maîtriser la technique, construire un style, trouver des clients, et progresser continuellement.
Mon parcours : de la Sony HI8 à la RED KOMODO
Je vous raconte ce parcours non pas pour m'en vanter, mais parce qu'il illustre quelque chose d'essentiel : on ne naît pas vidéaste professionnel, on le devient progressivement, en s'équipant à mesure que les ambitions grandissent, et en apprenant de chaque projet.
Les débuts : la Sony HI8 et le montage au tournage (1998-2003)
Ma première caméra était une Sony CCD-TR705E — une Hi8 8mm. Pas d'ordinateur pour le montage à la maison au départ. Alors j'ai trouvé une solution : je faisais mes montages directement au tournage, en enregistrant les scènes dans le bon ordre sur la cassette. Pour les effets sonores — les bruits de coups de poing dans mes scènes d'action — j'agitais un cintre près du micro pendant le re-enregistrement audio. Débrouillardise totale.
Mes premiers films étaient des scénettes inspirées de Terminator 2, Matrix et Mission Impossible 2. J'avais créé une mini-série avec les camarades plus jeunes de mon frère — ils étaient à l'école primaire — qui s'appelait TRUE SECTION. Ces films, je les gravais en DVD avec des jaquettes faites sur Paint, et je les vendais quelques euros à mes amis et à leurs familles. YouTube n'existait pas encore.
Ma première caméra : la Sony CCD-TR705E Hi8 Handycam, avec laquelle j'ai tourné mes premiers plans à la fin des années 90. Tout a commencé là.
Plus tard, avec mes amis du lycée, j'ai réalisé MAFIA STORIES, un film de 40 minutes inspiré de Tarantino et du Parrain. Et BAD BUSINESS, un court-métrage de 15-20 minutes dans le même registre. Ces films ont été présentés aux premiers festivals de courts-métrages amateurs d'Anglet, dans le cinéma local de ma ville. J'y ai décroché mes premiers prix — notamment pour REVERSO, un film d'horreur avec ma petite sœur, prix du public au FIFAVA Anglet 2008.
MAFIA STORIES — court-métrage de Kévin Mendiboure - 2005
BAD BUSINESS — court-métrage de Kévin Mendiboure - 2006
REVERSO — Prix du public FIFAVA Anglet - 2008
C'est à cette époque que j'ai découvert Pinnacle Studio — mon premier logiciel de montage — et que s'est allumée l'obsession des effets spéciaux. Je voulais reproduire les VFX des films hollywoodiens. Pinnacle avait quelques effets de base... mais ça ne suffisait pas. J'attendais impatiemment le jour où After Effects serait accessible à la maison.
L'arrivée d'After Effects et les premiers VFX (2003-2007)
Quand After Effects est devenu accessible sur notre ordinateur familial, j'ai vécu quelque chose d'intense. J'ai immédiatement commencé à créer des mini films de test VFX avec mon frère Maxime : sabres laser, muzzle flash, boules d'énergie type Dragon Ball Z... J'étais surexcité par ces effets à portée de main et par cette créativité soudainement sans limite. C'est là que tout a vraiment commencé.
Film test de VFX After Effects avec mon frère Maxime
La Panasonic Mini DV et la Sony FX7 — construire du matériel pro avec rien (2005-2010)
Après la Hi8, je suis passé à une Panasonic NV-GS17EG-S Mini DV, puis à ma première vraie caméra semi-pro : la Sony Handycam HDR-FX7 en Mini DV HDV. C'est avec cette caméra que j'ai tourné Unlimited, et mes premiers clips musicaux professionnels.
UNLIMITED— film de Kévin Mendiboure, tourné à la Sony FX7 - 2008
Pour compenser les limitations de la FX7 — notamment l'absence de bokeh avec un petit capteur — j'avais trouvé une astuce de tournage : je reculais de plusieurs dizaines de mètres et je zoomais à fond pour obtenir un flou d'arrière-plan acceptable lors des champs-contre-champs. Ça fonctionnait. On trouvait des solutions avec ce qu'on avait.
Pour les mouvements de caméra, j'avais fabriqué un travelling maison avec des tubes en PVC et un trépied sur roulettes. Les mouvements étaient fluides et professionnels — exactement ce que je cherchais. En regardant THE LIST aujourd'hui, un film sur deux tueurs à gage tourné avec mon frère, la qualité de l'image et des mouvements de caméra reste impressionnante pour l'époque.
Tournage de The Shoes, 2016. La RED Scarlet sur slider — l'évolution naturelle du travelling maison en tubes PVC de mes débuts.
THE LIST — film de Kévin Mendiboure, tourné à la Sony FX7 - 2008
Une contrainte technique propre à cette époque : avec les cassettes Mini DV, chaque heure de rush nécessitait une heure de digitalisation en temps réel. Pour un film événementiel que j'avais tourné dans le sud (un beach rugby festival), j'avais 12 cassettes — soit 12 heures de rushes. Il fallait tout ce temps avant de pouvoir commencer le moindre montage, et l'inclure dans la facturation. Un détail que les vidéastes d'aujourd'hui ne connaîtront jamais.
Le Canon 5D Mark II — la révolution du bokeh (2010-2013)
Le passage au Canon 5D Mark II a changé ma vie de vidéaste. Pour la première fois, je pouvais filmer avec un flou d'arrière-plan naturel en plein format — celui des champs-contre-champs professionnels — sans avoir à improviser avec le zoom. Cette profondeur de champ cinématographique, que je cherchais à obtenir en reculant de 30 mètres avec la FX7, était désormais là par défaut.
C'est aussi à cette période que j'ai réalisé mon premier clip musical professionnel — encore à la FX7, car je n'avais pas encore le 5D à ce moment-là. C'était pour Sarcelles la Famille, tourné dans les quartiers de Sarcelles. Arriver là en tant que jeune vidéaste débarqué d'une petite ville du sud, ça faisait tout drôle — impressionnant, légèrement stressant. Mais tout le monde était d'une gentillesse remarquable sur place, loin des clichés. Et malgré la FX7, les artistes ont adoré le clip.
Avec mon collaborateur Diego, nous tournions aussi avec le Canon 7D en complément — qui permettait les premiers tournages HD en 50 images par seconde, une première pour l'époque. Limité au 1280x720, on devait upscaler sur Premiere Pro, mais c'était déjà impressionnant.
La RED : du rêve inaccessible à la possession (2014-2021)
La RED m'a toujours fait rêver. Je la voyais apparaître sur des tournages de clips et de longs-métrages, mais elle m'était totalement inaccessible financièrement. Mon tout premier tournage à la RED a été le clip que j'ai réalisé pour Mister You et DJ KAZ — Jugni Ji, tourné dans un château en région parisienne avec une centaine de figurants et des danseuses indiennes en tenue traditionnelle. Une vraie chorégraphie. L'image était incroyable — j'en ai fait l'un des éléments centraux de mes bandes-démo.
Je me suis ensuite fait plaisir en louant une RED SCARLET avec des optiques Zeiss CP2 pour mon premier court-métrage à la RED : THE SHOES. Ce film est devenu ma première vitrine fiction avec une vraie qualité cinéma — il a reçu plusieurs prix et généré plusieurs centaines de milliers de vues sur YouTube.
THE SHOES — film de Kévin Mendiboure, 2016
Pour mon premier long-métrage The Follower (2017), j'ai consacré une grande partie du micro-budget (environ 20 000 €) à la location d'une RED EPIC DRAGON — le modèle phare de l'époque. Nous avons tourné 12 jours avec 14 membres de l'équipe bénévoles dans une maison ancienne à Sare, dans le Pays Basque. Une anecdote de tournage : nous avions besoin d'une grange, absente de la propriété. Nous avons délocalisé cette séquence dans un autre lieu et réalisé un raccord invisible au montage. À ce jour, tout le monde croit que la grange fait partie de la maison principale. Le film est toujours sur Amazon Prime en 2026, distribué en VOD dans 120 pays.
THE FOLLOWER — premier long métrage de Kévin Mendiboure, 2017
Après la création de l'École des Vidéastes en 2021, j'ai pu enfin m'acheter l'objet de mes rêves : une RED KOMODO, avec des optiques anamorphiques Atlas Orion — les mêmes qu'on retrouve dans les plus grandes productions comme Batman. Entre temps, j'avais aussi évolué côté Sony : de l'A7SII à l'A7III, puis à l'A7SIII et à l'A7IV.
1998 — Sony CCD-TR705E (Hi8 8mm) + Sony CD-TRV21E
2003 — Panasonic NV-GS17EG-S (Mini DV)
2006 — Sony Handycam HDR-FX7 (Mini DV HDV) — premiers clips pro
2010 — Canon 5D Mark II — révolution du bokeh
Complément — Canon 7D (HD 50fps)
2013 — Canon 5D Mark III
2015 — Sony A7SII, puis A7III en complément
2017 — RED EPIC DRAGON (location) — The Follower
2020 — Sony A7SIII + A7IV
2021 — RED KOMODO + optiques Atlas Orion anamorphiques (achat)
La leçon de ce parcours matériel : vous n'avez pas besoin d'une RED pour commencer. J'ai fait mes premières missions professionnelles, décroché mes premières notoriété dans le clip, et construit ma réputation avec du matériel modeste. L'équipement suit la progression — pas l'inverse.
Les compétences indispensables d'un vidéaste professionnel
Un vidéaste professionnel n'est pas simplement un technicien qui sait appuyer sur des boutons. Ce qui fait la différence sur le marché, c'est la combinaison de compétences techniques et de compétences transversales que la plupart des formations n'enseignent pas.
Les compétences techniques
La maîtrise de la caméra — exposition, mise au point, composition, mouvements — est la base. Mais aujourd'hui, un vidéaste pro doit aussi maîtriser les fondamentaux du son : micro-cravate, perche, enregistreur externe. Une image parfaite avec un son pourri, ça ne se vend pas.
La lumière est ce qui sépare vraiment les amateurs des professionnels. Comprendre la lumière naturelle, savoir utiliser des sources artificielles, travailler avec des réflecteurs — c'est souvent plus important que la caméra elle-même.
En post-production : un logiciel de montage maîtrisé en profondeur (Premiere Pro ou DaVinci Resolve), les bases de l'étalonnage colorimétrique, et selon votre spécialité, After Effects pour le motion design et les effets. C'est After Effects, appris en autodidacte, qui m'a permis de décrocher ma mission chez TPMP en 2018 et de facturer 100 € de plus par journée qu'un monteur pur.
Les compétences transversales
Ce que les écoles n'enseignent presque jamais : la relation client. Comprendre un brief, poser les bonnes questions, gérer des retours contradictoires, respecter des délais sous pression. J'ai vu des vidéastes techniquement excellents perdre des clients parce qu'ils ne savaient pas communiquer.
La gestion de projet — planifier un tournage, prévoir les imprévus, tenir un planning et un budget — est tout aussi essentielle. Sur The Follower, coordonner 14 personnes bénévoles pendant 12 jours dans une maison isolée du Pays Basque, c'était un exercice de logistique autant que de réalisation.
Et enfin : le sens narratif. Pourquoi couper à ce moment précis ? Pourquoi ce plan plutôt qu'un autre ? Un vidéaste professionnel a une réponse à ces questions — pas "parce que ça semblait bien", mais parce que chaque décision sert l'intention de la scène ou du film.
Faut-il passer par une école pour devenir vidéaste ?
C'est la question que mes élèves me posent le plus souvent. Ma réponse est nuancée — parce que mon propre parcours l'illustre dans les deux sens.
J'ai intégré l'ESRA — école de cinéma reconnue — dont je suis sorti en 2008 avec une mention bien en montage vidéo. Cette formation m'a donné des bases solides, une culture cinématographique, et un environnement de pratique intensive. Je ne le renie pas.
Mais voici ce que l'ESRA ne m'a pas appris : After Effects. Et c'est précisément grâce à After Effects, appris entièrement en autodidacte, que j'ai décroché mon poste chez TPMP en 2018. Un poste mieux rémunéré que celui de monteur pur, dans une émission diffusée chaque soir en prime time sur C8. J'ai postulé avec une compétence acquise hors école, et ça a fait la différence.
| Voie de formation | Avantages / Inconvénients |
|---|---|
| École de cinéma (ESRA, Louis-Lumière, FEMIS) | Bases solides, culture de l'image, réseau — mais coût élevé, durée longue, employabilité non garantie |
| BTS Audiovisuel (Montage & Post-prod) | Voie académique accessible, stages en entreprise — qualité variable selon établissement |
| Formation en ligne certifiante (CPF) | Progressif, pratique immédiate, coût réduit, éligible CPF — demande autodiscipline |
| Autodidacte pur (YouTube, tutoriels) | Gratuit, flexible — mais lent, risque de mauvaises habitudes, pas de certification |
Ce que j'observe chez mes 2 500+ élèves depuis 2021 : certains arrivent sans aucune expérience et décrochent des missions professionnelles en quelques mois. D'autres, issus d'écoles audiovisuelles, rejoignent la formation parce que leur cursus ne les a pas préparés aux réalités du marché — Premiere Pro, DaVinci Resolve, workflows digitaux, formats réseaux sociaux.
Le matériel : par où commencer sans se ruiner ?
J'ai commencé avec une Hi8 à 300 €. J'ai fait mes premières missions professionnelles avec une Sony FX7 et un travelling maison en tubes PVC. Le matériel ne fait pas le vidéaste — les compétences, si. Mais à chaque étape de votre progression, voici ce qui compte vraiment.
Pour débuter (budget 500-1 500 €)
Un appareil photo hybride d'entrée de gamme avec mode vidéo (Sony ZV-E10 II, Canon R50 V, ou même un smartphone récent en dernier recours). L'essentiel : qu'il tourne en 4K minimum, qu'il accepte des objectifs interchangeables, et qu'il permette un contrôle manuel de l'exposition. Un trépied stable, une carte mémoire rapide, et un micro externe basique — même un Rode VideoMicro à 60 € — font toute la différence sur le son.
Pour se professionnaliser (budget 2 000-5 000 €)
C'est le saut qualitatif majeur. Un hybride avec un grand capteur (Sony A7 IV, Canon R6 II, Lumix S5 II) pour le bokeh naturel et les performances en basse lumière. Un objectif lumineux (50mm f/1.8 ou 24-70mm f/2.8). Un stabilisateur (gimbal) pour les mouvements fluides. Et surtout : un micro de qualité — Rode NTG3 ou Sennheiser MKE600 — parce qu'à ce niveau, le son ne peut plus être négligé.
Pour les productions exigeantes
La RED, l'ARRI, les optiques cinéma — c'est pour les projets qui le justifient. Et dans bien des cas, la location est plus intelligente que l'achat. Sur The Follower, j'ai loué une RED EPIC DRAGON le temps du tournage. Sur le clip Jugni Ji avec Mister You, la RED était louée. C'est le bon calcul : payer pour le projet, pas pour stocker du matériel qui dort entre deux missions.
Construire son réseau : ce que personne ne vous dit
Le réseau est aussi important que la technique. Peut-être plus. Je vais vous raconter deux histoires personnelles qui illustrent ce principe mieux que n'importe quelle théorie.
À mes débuts dans le clip musical, j'ai travaillé gratuitement pour un graphiste-photographe parisien en montant ses clips. Lui m'a donné accès à ses artistes et à son réseau. Moi j'ai pratiqué sur de vrais projets. De cette période est né le réseau qui m'a permis de me lancer comme vidéaste indépendant dans le clip et de construire progressivement une carrière de dix ans dans ce domaine.
La même logique s'est reproduite pour TPMP. Des années auparavant, j'avais réalisé gratuitement un spot publicitaire pour le salon de tatouage d'un contact. Une petite chose, rendue de bon cœur, sans attendre de retour. Dix ans plus tard, ce même contact m'a recommandé pour le poste de monteur-graphiste chez H2O Productions. Ce sont ces connexions construites sur du service rendu — pas sur du réseautage calculé — qui font les carrières dans notre milieu.
Les débouchés : quel type de vidéaste devenir ?
Il n'y a pas un seul marché de la vidéo — il y en a plusieurs, avec des règles, des rémunérations et des modes d'accès très différents.
Le clip musical
C'est le marché qui m'a lancé. Exigeant en style et en créativité, très orienté réseau, avec des tarifs très variables selon le niveau de l'artiste. Un clip pour un artiste indépendant peut se négocier à 500-1 500 €. Pour un artiste signé en major, les budgets montent à 10 000-50 000 € et au-delà. La clé : construire un style visuel reconnaissable et des connexions dans le milieu musical.
Le corporate / communication
Le marché le plus accessible et le plus régulier. Films d'entreprise, interviews dirigeants, teasers produits, formations e-learning — les entreprises ont un besoin constant de contenu vidéo et cherchent des vidéastes fiables qui livrent dans les délais. Les tarifs sont stables : comptez 800 à 2 000 € pour une journée de tournage + montage selon votre niveau.
Le mariage et l'événementiel
Un marché porteur, avec une demande forte et des tarifs en hausse. Un film de mariage complet se facture entre 1 500 et 5 000 € selon la formule et la région. L'avantage : une fois votre réputation établie, le bouche-à-oreille génère un flux régulier de clients. L'inconvénient : les week-ends mobilisés, la pression du direct, et l'impossibilité de refaire si quelque chose rate.
YouTube et création de contenu
Le marché qui connaît la plus forte croissance. Soit vous créez votre propre chaîne, soit vous proposez vos services à des créateurs existants — sous-traiter le montage est devenu courant pour les YouTubeurs qui publient plusieurs fois par semaine. Les tarifs pour un montage YouTube complet varient de 150 à 500 € par vidéo selon la complexité.
La fiction et le cinéma
Le marché le plus compétitif et le plus exigeant en termes de réseau. Les courts-métrages se financent via des subventions (CNC, régions), les longs-métrages nécessitent des coproductions et des distributeurs. C'est un investissement de long terme, souvent déficitaire au début — mais c'est aussi celui qui offre la plus grande liberté créative et la crédibilité professionnelle la plus solide. The Follower, mon premier long-métrage, m'a coûté plus qu'il ne m'a rapporté directement. Mais il m'a ouvert des portes que rien d'autre n'aurait pu ouvrir.
Combien gagne un vidéaste professionnel en 2026 ?
La vérité : ça dépend tellement de votre spécialisation, votre statut, votre réseau et votre région qu'aucun chiffre isolé ne vous dira vraiment à quoi vous attendre. Voici ce que j'ai vécu et observé.
J'ai commencé à 3 950 € de chiffre d'affaires en 2010. En 2019, j'avais atteint 77 927 €. En 2020 — en plein COVID, ce qui rend ce chiffre encore plus remarquable — 107 235 € de chiffre d'affaires. Cette progression n'était pas linéaire : il y a eu des années à -20 %, des années à +120 %. Et en 2017, l'année où j'ai consacré l'essentiel de mon temps à The Follower, mes revenus ont considérablement baissé. C'était un choix assumé — pour la bonne cause — et je ne le regrette pas.
Les fourchettes réalistes en 2026 pour un vidéaste freelance confirmé : entre 30 000 et 80 000 € de CA annuel selon la spécialisation et le réseau. Un profil corporate bien établi en région parisienne peut dépasser les 100 000 €. Un débutant en province doit s'attendre à 10 000-25 000 € les deux premières années, le temps de constituer son carnet d'adresses.
FAQ — Devenir vidéaste professionnel
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Oui — à condition de compenser par un portfolio solide et un réseau actif. J'ai été recruté pour TPMP sans avoir After Effects sur mon CV officiel. C'est la démonstration concrète de la compétence, et la recommandation d'un contact de confiance, qui ont fait la différence. Le diplôme rassure, mais il ne garantit rien.
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Le monteur vidéo intervient uniquement en post-production — il travaille sur des rushes existants et les assemble. Le vidéaste couvre toute la chaîne : préparation, tournage, son, montage, étalonnage, livraison. En pratique, beaucoup de professionnels font les deux — c'est d'ailleurs ce qui m'a le mieux rémunéré : être capable de réaliser ET de monter ET de faire du motion design.
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Avec une formation structurée et une pratique intensive sur des projets concrets, 6 à 12 mois suffisent pour décrocher les premières missions rémunérées. La vitesse de progression dépend surtout de l'intensité de la pratique — pas du temps passé à regarder des tutoriels.
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La polyvalence vous permet de travailler. La spécialisation vous permet de prospérer. Dans un premier temps, acceptez tous les projets pour pratiquer et construire votre réseau. Ensuite, identifiez le marché qui vous correspond le mieux — celui où votre style est le plus pertinent et où vous avez les meilleures connexions — et positionnez-vous dessus clairement.
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Non — pas pour le cœur du métier. L'IA automatise des tâches répétitives : tri de rushes, sous-titrage automatique, stabilisation, suppression de bruit. Mais la direction artistique, le sens du rythme, la relation avec les sujets filmés, la narration — tout ce qui fait qu'une vidéo touche le spectateur — reste humain. En réalité, l'IA revalorise la dimension créative du métier en libérant les vidéastes des tâches les plus mécaniques.
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Premiere Pro pour le montage — c'est le standard du marché, l'interface la plus intuitive pour débuter, et l'intégration avec After Effects via Dynamic Link est un atout décisif dès que vous avez besoin d'effets ou d'animations. DaVinci Resolve est une excellente alternative gratuite, particulièrement recommandée si l'étalonnage colorimétrique est votre priorité.
Si vous hésitez, consultez notre comparatif Premiere Pro vs DaVinci Resolve.
Par où commencer concrètement ?
Devenir vidéaste professionnel en 2026 est une opportunité réelle — la demande en vidéo de qualité n'a jamais été aussi forte, sur tous les marchés. Mais c'est un chemin qui demande de la régularité, de l'honnêteté sur ses lacunes, et le courage de sortir ses premières vidéos même imparfaites.
Le conseil que je donnerais à celui que j'étais à 14 ans avec sa Sony Hi8 : ne cherchez pas le matériel parfait avant de tourner. Ne cherchez pas la formation parfaite avant de pratiquer. Tournez maintenant, avec ce que vous avez. Les compétences et le matériel suivront — si vous restez en mouvement.
Pour aller plus loin
→ Comment devenir monteur vidéo en 2026 : formation, salaire et débouchés
→ Salaire monteur vidéo en 2026 : ce que vous pouvez vraiment gagner
→ Quel logiciel de montage vidéo choisir en 2026 : comparatif complet
→ Premiere Pro vs After Effects : quelle différence ?
→ Quel ordinateur pour le montage vidéo en 2026
→ Comment faire un montage vidéo de qualité — Guide complet 2026
À propos de l’auteur
Kévin Mendiboure est réalisateur et monteur vidéo professionnel, fondateur de l’École des Vidéastes et de la chaîne YouTube TUTO PREMIERE (+115 000 abonnés).
Réalisateur depuis plus de 10 ans et formateur depuis 2019, il accompagne créateurs, freelances et monteurs en reconversion à travers des formations certifiantes en montage vidéo sur Premiere Pro, After Effects et DaVinci Resolve.